今天的艺术家正面临着一个越来越摇摇欲坠的末世未来，美学、政治、经济和生态的承诺都已被证明是失败的。长期持有的政治标准变得越来越无关紧要，所以看到绘画重新出现的趋势，于是质疑这些标准的对等形式，似乎很自然。如果一种临时的语汇能够及时重新激发个人关注的表达，那就应该是任何人在绘画中所需要的全部努力和期待。
跟艺术家何岸聊天，他说到《临时绘画》这个展览，我搜了一下参展的艺术家，正好跟之前我发过的 德·凯泽 和 罗杰·拉韦尔、雷尼尔·卢卡森 的常识性理解 很重合，这条内容里写到一个法国评论家说他们是“欧洲的波普艺术”，感觉这个词对艺术家工作的概括还是有点窄了。
这些艺术家的工作，我们可以先从这个题为《临时绘画》的展览开始。这是2011年四月伦敦由Raphael Rubinstein策划的一个关于绘画的展览。今天，事实上以这个标题为工作方向的艺术家很多。
下面是部分展览作品图片信息。
©纽约David Zwirner画廊和安特卫普Zeno X画廊Michael Krebber：蔑视自己的作品作为职业规划，2001Martin Barré：73-74-D-149 x 139，1973-74棉布上的亚克力，641⁄2 x 931⁄2英寸，私人收藏Richard Aldrich：用镜子装置看，2008油、蜡、有机玻璃和切割亚麻布上的镜子，84 x 58英寸Jacqueline Humphries：朱迪思，2006Cheryl Donegan：Luxury Dust（银色），2007彼得·索里亚诺（Peter Soriano），彼岸展览，2008今天的绘画，也就是波普之后当代艺术意义上的绘画，是一种既不是传统具象，也不是传统抽象，更不是所谓观念绘画的存在，无法回避。可以说他们作品里也包含上述三种形态并且外延了更多，比如在他们的作品里还有波普的成份。这些艺术家长期以来的作品看起来都是随意的、仓促的、不确定的、未完成的或自我放弃的。他们都有意避开“强烈”的绘画，去追求那些似乎不断冒着崩溃风险的东西。他们以一种看似懒散轻松的状态进入绘画，反而让人感觉他们对绘画的野心勃勃。这些绘画在今天存在是危险的，尤其是在认知严重折叠的中国。
为什么艺术家会采用自我毁灭的策略，在一幅从某些角度看完全失败的画作上签名？这可能与贯穿现代艺术史基本的怀疑主义有关 : 我们在塞尚对圣维克多山的无限痛苦调整中、在达达嘈杂的反叛中（以毕卡比亚亵渎神明的《Cézanne的肖像》为代表）、在贾科梅蒂无休止地抹去和重新开始肖像画中，看到他们在告诉我们绘画是不可能的，也能在波尔克20世纪60年代华丽的无声作品中看到它。现代主义的历史充满了拒绝策略和否定行为。在今天认知折叠的时代，我们看绘画时到底在看什么？如上所述，当然不是看空间里的那个现成的绘画物，即不是看你自己认知到的那个“绘画”，也不是你脑子里那些陈旧的“坏画”观念。
“临时绘画”，或许能打开一个关于今天绘画与艺术的通道。在今天这个极其杂糅的时代，艺术确实越来越难以被确定，艺术怎么能被确定呢？
今天很多年轻从业者的工作方向也很类似，包括很多中国艺术家——免得得罪人这里就不说了，总之绘画艺术坏蛋店曾经的推送里有很多。
Trevor Shimizu，1978年出生与日本，现生活在美国
Jon Pilkington，1990年生于英国
Cream Of The Crock，2017
Oil on canvas (in oak wood frame)，74 × 54cm
Georgia Dickie，1989年生于加拿大
Grease She Who See You，2020
Šimon Sýkora，1990年生于捷克
Walk alone，2018
oil, canvas
Ser Serpas，1995年生于加利福尼亚
Oso Parado，出生在墨西哥的年轻艺术家
“他们（‘临时绘画’派艺术家）的写实性比较关键的部分来源于波普，这样有些社会性的材料和符号会成为其中的挪用和隐喻，又摆脱了抽象绘画的纯粹平面审美。艺术家强调绘画的‘物质性’，不是传统绘画的结果或者艺术史的审美，而是艺术家工作的停止本身的物质性。不被定义的、中断性的痕迹，这里的‘物’是被剪径后的‘那一段’的呈现，绘画上更多是一种理解式解构性的残留。所谓‘物’是不断尝试悬置以前的常识性审美，跟塞尚的工作有点类似既不能向前也不能向后（沙滩上站立的男孩）在临时性绘画的探索中，画布本身仅仅起痕迹的传递作用，是‘物’的其中一种含义。现在回头看他们，其实都很‘热’，说新波普有点亏待他们了，我原来自己命名叫他们‘新现象’。”何岸说，类似“临时绘画”工作方式的，除了绘画，还有装置作品和音乐作品。他推荐了几首音乐作品，下面放一首。